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FEDERICO DAL POZZO – Untitled_VNZ (KrysaliSound, 2018) Identificata dalla sigla riportata nel titolo e dalla sua stessa iconografia come una dedica alla città di Venezia, la nuova opera di Federico Dal Pozzo è tuttavia qualcosa di ben diverso da una cartolina turistica. Non soltanto per l’origine veneziana dell’artista, ma soprattutto per il suo peculiare approccio […]

via — music won’t save you

Truly showing love for his surroundings, Federico Dal Pozzo opts for a peculiar form of sound poetry on “Untitled_VNZ”. Forgoing melody, rhythm, or traditional music composition, the whole of the work has a voyeuristic quality to it. By opting for such an intimate nature, the whole of the piece seems to simply drift off into the infinite. Over the course of the piece Federico Dal Pozzo lets the work evolve in a way that feels fully organic. Nearly pastoral in its focus, everything about it has a tactile quality. Keeping things to the essentials means that Federico Dal Pozzo lets the essential elements of the work shine through and shine brightly with a tremendous amount of spirit.

From the smallest of hushed gestures, the whole of the piece progresses quite nicely. Exploring space becomes of the utmost importance for everything stems from this need to focus ever more intensely on tiny moments. The usage of echo feels particularly fine because everything gets heavily magnified from these elements. Layer upon layer of sound comes into the mix lending it a stream of consciousness style. Around the latter half of the work things become more digital in nature, eventually transforming into the stuttering electronics and glitches that end it.

Meditative to its very core and offering a glimpse at the many small universes of sound just outside the usual levels of perception “Untitled_VNZ” shows off Federico Dal Pozzo’s uncanny ability to sculpt an aural environment.


“Stilhedens Strømmen I Fuglenes Blod” (published as a self-release in 2015) is a brave acoustic guitar suite, delicate and magnetic, recorded in a perfect balance between ambient and folk. The result is spiritual and meditative flow where the listener can dive and let himsel be lulled by repeating melodies, evocative small variations and a great hypnotic style.”

øjeRUM is the work of the prolific Danish artist Paw Grabowski whose music has appeared on labels such as Unknown Tone, Midira, Eilean Rec, Fluid Audio and others. He’s equally known for his collages that have appeared on his and other releases.

“Stilhedens Strømmen I Fuglenes Blod” which translates to “The Flow Of Silence In The Blood Of Birds” is a single thirty minute piece with lo-fi sounds that feel like you are listening to an old warped cassette. Field recordings join acoustic guitar and minor drones to give off a folk feel. Layers of guitars and sounds such as chimes give off a feeling of loneliness and solitude. With the repetition of the piece it can become hypnotic and with the space in the recording, the track allowed to breathe and space for other elements to filter in. That said when it got to the final five minutes is when my interest rose as much as I like minimal music, on this piece I was craving bit more interaction from drones, field recordings or other instruments.

Federico Dal Pozzo is a Turin based concrete composer and musician. With a past based in percussion and musical studies “His works, appointed “Untitled_” are based upon concrete objects and the transfiguration and perception of the sound and audio-spatialization. He’s a Sound Designer in various theatre and dance companies in Italy, France, Belguim and Israel. He works in various Italian Foundations for Audio-Installations and Live Performance (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Castello di Rivoli, Promotrice dell Belle Arti…)”

“Untitled_VNZ” is a piece coming in at just under 50 minutes that covets a great amount of musical distance mainly broken down into movements or sections that fuse together. It is a free form piece that lies in the experimental / electroacoustic style with field recordings, drones, glitches, noises constantly evolving throughout the piece. There are build ups, use of space, silences and walls of sound. Occasionally more traditional instrumentation seem to come in, but for the whole this feels more akin to the likes of Francisco Lopez and a sound art piece than a musical one.

For fans of longform experimental sounds, this has a particularly clear mastering by label boss Francis M. Gri.


Federico Dal Pozzo’s latest Krysalisound recording is full of minute pleasures, an ice race avoiding the pinnacle of an all out avalanche. Instead, the sound waves are condensed drone designs based on sound design in its purest form: hum and counterpoint.

Much of the music relies on driving ground fissures, trips to metropolis, and like being stuck in a bunker, a firm grasp of the natural architecture of buildings. So in all, the music is wide ranging with all the experimentalism of a electromagnet inside a complex tape loop studio. One just has to tap on “play” to drift off to the hums of wonder within…

My favourite thing about “VZ0” is its concentric circles, its eddies and loops. These loops transform your sonic environment and offset any energy required to listen to them, meaning they are positively enveloping. I find nothing negative about this record, it’s very pure, and succinctly put in its stylistic symbolism. It seems to enact a constructed set of poles that keep tessellating among moving waves of dozy sound.

And there are washes of rhythmic passivity too, nothing aggressively done, just true float, real drift and weaving, like a spellcasting, mischievous witch, sunning herself in a weather mirror. These sounds move slowly over the lands like rays of the sun, forever sparkling and coming from a much deeper, encrusted whole.

Perhaps one’s true intent becomes known from drones like these. In the searches for deeper meaning, and in general deep thought about life, the mirror reflects back on itself to a projection of powerful musical dualism to soothe the soul. A just exercise, given that the music is only heard when humans choose to listen. Krysalisound label is this under the radar that you can afford to give a unassuming drone suite some companionship, and possibly an endorsement, because this particular experiment is very fine indeed.

So yes, not an avalanche of white noise, rather some of the quietest yet most ruminative music I’ve heard in the last 12 months. Recommendable lusciousness for Steve Roach and Robert Rich fans alike, it’s sure to put a wry smile on the sleep ambient scene’s brow.


Condensare, sintetizzare l’esperienza della città ma anche il “concetto” di Venezia: questo il senso della sigla VNZ nel nuovo “Untitled_” di Federico Dal Pozzo, che dopo il recente “TeVeT” prosegue la sua collaborazione con la Krysalisound di Francis M. Gri.

Elaborando in tempo reale varie sorgenti concrete e field recordings, l’autore realizza con mano sapiente e delicata – seppur decisamente poco ortodossa – un “concerto” acusmatico dedicato a questo scrigno di storia e tradizione, luogo dell’anima che sembra suonare autonomamente la propria sinfonia, “e non c’è mano grande abbastanza da voltare le pagine dello spartito”.

Non poteva essere altro che l’acqua, dunque, l’elemento primario di questa libera astrazione lagunare: stille d’acqua purissima sfiorano la superficie sonora, la accarezzano finché non passano gradatamente allo stato solido, tintinnando e propagando la loro eco tutt’intorno; le onde gentili delle manipolazioni elettroacustiche imitano fruscii di nastri e vecchi vinili; in secondo piano si ripetono i versi di una recitazione sconnessa, come frammenti sparsi di un già criptico monologo beckettiano; un’insistente nota di pianoforte insegue la propria scia in crescendo risonanti alla Charlemagne Palestine.

Al ventesimo minuto sembra chiudersi brevemente il sipario, ma con il reingresso le epifanie strumentali divengono più costanti, benché ugualmente sfuggenti. Si odono i rintocchi di un campanile in lontananza, laddove in superficie acute scie elettroniche vorticano lentamente, fluttuando su un asse verticale lungo tutta la gamma delle altezze.

Superata abbondantemente la mezz’ora, l’atmosfera in prevalenza tonale fa spazio ad aspri ronzii statici in stereofonia, come di vecchi schermi catodici cui non rimane altro che un muto dialogo tra simili – e non è forse vero che quel flusso continuo di sfrigolanti linee bianco-nere somiglia allo scrosciare indisturbato di un fiume in piena?

In questo stesso solco giunge a compimento l’opera, con un finale che stende una sottile patina di rumore bianco, sgomberando il campo da qualunque stralcio descrittivo evocato in precedenza. L’intero excursus finisce col somigliare a un processo di rimozione, anziché a una nostalgica mappatura sonora della città in cui Dal Pozzo è nato: il suo “Untitled”, semmai, raduna impulsi inconsci entro un paesaggio troppo annebbiato e opaco per lasciarci vedere la cartolina di una Serenissima che, in ogni caso, non si può più definire tale. Di quel paradigma romantico, dell’eleganza e prestigio che avrebbe voluto tramandare in eterno, resta oggi soltanto un’ombra.



[krysalisound] Riflessi di una città catturati per essere ricombinati in un flusso che ne evochi l’essenza. È un omaggio alla sua Venezia quello composto da Federico Dal Pozzo in “Untitled_VNZ”, audioracconto costruito modulando e ricombinando estemporaneamente l’ampia tavolozza di suoni raccolti sul campo per dare forma ad un percorso avvolgente e suggestivo. Plasmando in tempo […]

via federico dal pozzo “untitled_vnz” — SoWhat

Lasciarsi alle spalle il boato invisibile che tutto assorbe, passeggiare seguendo solo il segnale sonoro, gli occhi chiusi e il passo via via sempre più leggero. Agganciati al segnale acustico non percepiamo più l’assillo della modernità che ci avvolge, ci spogliamo degli apparati ricettivi aggiuntivi e torniamo ad essere ascoltatori unici dell’instancabile respiro della natura che si esprime grazie alla iterazione dell’accordo, nella dolce e delicata ripetizione infinita di un arpeggio per chitarra. Un lavoro di pregiata tessitura elettro-acustica minimale, questo, che segna il ritorno in casa Krisalys del sound artist danese Paw Grabowski, delicato e silenzioso ricercatore di pace


Denso, a volte insostenibilmente doloroso, composto con dura materia musicale e intenso racconto lirico. Queste sono le riflessioni tonali, i tonal glints composti dall’inglese James McDermid in ricordo della sorella scomparsa. Un racconto di elaborazione del lutto che si dipana lungo tre uscite discografiche, la seconda delle quali è stata accolta dall’etichetta italiana KrysaliSound. Il compositore di Bristol ci informa che il lavoro artistico di Sophie Calle, in particolare il suo Douleur Exquisite, è l’ispiratore di questa release. Un’informazione che ci aiuta a comprendere meglio un percorso sonoro che, come prima detto, affascina avvicinando l’ascoltatore (nel caso della Calle si parlerebbe di colui che guarda) al mondo del sonno, la sospensione vitale che più ci avvicina alla fase finale dell’esistenza, all’immobilità definitiva [ cfr Les Dormeurs 1979]. Ascoltare questa release è come assistere al dialogo costante tra due fratelli mentre si avviano alla definitiva separazione, se ne percepiscono i più intimi pensieri, l’angoscia e la successiva speranza che libera dal dolore, in luoghi lontani dal nostro, in altre lontane dimensioni. Un disco che commuove e aiuta ad affrontare l’esperienza della perdita, l’evento che della vita è parte integrante.



The second heart moving chapter of the trilogy – being the first one “Ghost Folk” released by polar Seas Recordings last year – that Bristol-based sound artist James Alexander McDermid dedicated to her sister Harriet, who died in August 2016 after two years of illness, comes out on KrysaliSound. The emotional framework of the plenty of tracks that this producer poured out during this painful experience before and after Harriett’s death was exhaustively explained by the author’s own words: “once the original shock dissipated, a wall of grief fell on me and, as a result, I found it an almost impossible task seeing my world in quite the same way as I once had. The wear and tear of life became suffocating, so I continued with the idea of channeling what I was feeling, into music; however, coming to terms with Harriett’s death, rather than her illness, started to cloud and confuse what I was doing. In the end, it was Sophie Calle’s book Exquisite Pain – a book arguably about grief in its various forms – that provided me with the clarity I needed. Calle’s writing – in particular, the people in it trying to come to terms with their own similar tragedies – helped shape and direct my own thoughts; Exquisite Pain acted as a conduit for what I was both feeling and trying to convey. Tonal Glints is the end result”. The stream of sound that James forged for this stage of enlightenment is riddled with many pearls. The main resounding element on the opening “The Vagabond”, – a sort of squeaking music box – seems to open the gate of the memories, which get unrolled on the almost scenic elements filling the crescendo of the following “All the shutters are closed”, whose waves crash against a wall of a distant choir of female voices. The thin overlapping of amplified tones of “I put the letter in my pocket” sound like the ruffled surface of a pond where some sweet images of the past could get vivid and precedes one of the best moment of the whole album “I’ll take one who loves me”, when James picks his acoustic guitar up to weave a delicately intimate folk. Other fragments of memories (or maybe ghost sighting) could have inspired the weird cameo of “Bunny” and the ambient expansions of the following “Within reach”, where a sort of regular breath, that becomes more and more audible, makes me argue that this track is somehow related to some dreams or nightmares (rendered by the dark tones of “Worse than the last look”) experienced during the sleep. The whispered litany of “If you concede” (another peak of this album), the tinkling standstill of “Eastern Bloc” and the gloomy minute of “Last Year” prepare the ground for the triggering aphony of “I saw red, and through the red, nothing” and the cathartic release in the incomprehensible murmur, the evanescent sonic cloak and the rift in the darkness opened by a thin piano-driven melody in the tail of the final track “Faraway too close”.


L’arte del musicista e pittore danese Paw Grabowski (OjeRum) è inscindibilmente legata alle sue due forme espressive: le immagini e il suono. Dopo le precedenti cover raffiguranti volti compenetrati nei paesaggi, o ricostruiti tramite stralci di fotografie vecchie e nuove per ricreare la ferocia del tempo, non solo sui volti ma persino sugli oggetti che lo ritraggono, OjeRum ci regala una nuova potente immagine. Una sorta di “mente-mondo” che si apre verso l’Universo perdendosi in esso, probabilmente per testimoniare l’importanza e la grandezza dei pensieri umani, dei ragionamenti complessi e nobili, che sono senza dubbio il più grande “miracolo” creato dall’incontro di semplice materia, nonché la vera essenza di ogni singolo individuo.

E soffice come il pensiero solitario è il nuovo Lp “Stilhedens Strommen I Fuglenes Blod”, edito dall’etichetta italiana KrysaliSound di Francis M. Gri. Un solo brano di trenta minuti con un mood costante ricreato da chitarre acustiche e nastri preregistrati, di una semplicità spesso disarmante tra folk minimale e ambient. L’andamento evoca – senza mai modificarsi – i momenti riflessivi di chi è perso nei propri pensieri, non schiacciato dai caotici doveri o dai ruoli imposti dalla società che opprimono l’uomo moderno e che gli impediscono la serena ricerca della propria e più autentica essenza.

Vera musica per arredamento a dirla come Eno, musica che scompare nell’ambiente ma compenetrandosi in esso. Non musica per aeroporti moderni e caotici, ma semmai per spazi incontaminati, ormai ignoti o addirittura alieni alla società contemporanea, con accenni spirituali che sanno di nostalgia ma che possono essere intesi come denuncia di un modello di vita tanto frenetico da impedire a ogni uomo di diventare la “mente-mondo” della cover.
“Stilhedens Strommen I Fuglenes Blod” è soprattutto questo; un’idea, un abbozzo di pensieri che un domani potrebbero fungere da base per un nuovo lavoro più solido e compiuto.